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Melhores e piores filmes no 2022 Berlim International Film Festival

Que filmes impressionados no Berlinale deste ano?

Quais filmam os revisores impressionados no 72nd Berlin International Film Festival, e que eram desapontamentos?

Abaixo, resumimos as reações dos críticos a todos os filmes notáveis ​​que estreiam no Berlinale deste ano. Nós agrupamos os filmes em categorias aproximadas (do melhor para o pior) com base em quanto críticos pareciam gostar deles, começando com os principais vencedores deste ano.

Os principais vencedores do prêmio

O diretor espanhol Carla Simón levou para casa o principal prêmio no festival deste ano para este acompanhamento de sua estréia bem considerada verão em 1993. Seu novo filme compartilha seu nome com a aldeia no noroeste da Espanha, onde os ancestrais catalães do diretor cultivam pêssegos por gerações e serviu como a inspiração para esta história sobre uma família enfrentando a possibilidade de perder suas terras. Thr’s David Rooney acredita que este “drama sincero” poderia ser “mais satisfatoriamente estruturado”, mas o seu “impacto emocional furtivo é inegável”, e David ehrlich do Indiewire acha esse “zumbido e vibrante ensemble drama” ser “movido menos por enredo do que sentido. de lugar, “resultando em um” retrato ferozmente insentorental de uma família à beira de perder sua fazenda “. Tela Daily’s Fionnuala Halligan considera “bastante notável que este seja apenas o segundo filme [Simón]” e em sua revisão para o telégrafo, Tim Robey escreve: “O escopo do filme é tão pessoal e contido que as comparações se sentem aliás, mas eu Foi estranhamente lembrado do padrinho em vários pontos: é tudo sobre a rica credibilidade da árvore genealógica, a sensação desse lote puxando ambos juntos e separados em um confrante de guerra. “

Depois de ganhar o urso de prata para o melhor diretor em 2020 para a mulher que correu e melhor roteiro em 2021 para a introdução, Hong Sang-Soo continuou sua berlinale Winning Streak este ano, coletando o prêmio de prata do Grande Júria de Bear para esta história de um famoso romancista ( Lee Hyeyoung) Quem se reúne com um proprietário de livraria, um diretor de cinema e, em seguida, um ator famoso (Kim Minhee), resultando na ideia de um filme. Crítico David Rooney acredita que é “indiscutivelmente menos um novo capítulo essencial do que uma nota de rodapé de provocação a tudo o que ele fez antes”, enquanto ainda possui “humor e insights com as inseguranças do processo artístico”. Johnathan Romney da tela diariamente é feliz por ver “algumas reviravoltas formais de pequena escala, mas surpreendente, e muita brincadeira”, do diretor que também produziu, escreveu, filmado, editada e marcou este 27º recurso que o Guy Lodge da variedade descreve como “outro suavemente. Charmante circulante, conduzido por conversação “que culmina em” um humor de auto-interrogação artística questionada que ainda se sente spry e distinta “.

Editor Mexicano-Boliviano virou o diretor Natalia López Gallardo (que trabalhou anteriormente no marido Carlos Reyadas, em silêncio, e pós-Tenebras Lux, bem como Lisandro Alonso, Jauja) levou para casa o prêmio do júri de urso de prata por seu recurso de estréia, descrito pelo Peter Bradshaw Um “trabalho perturbador e inquietante, um bombeiro psico-patológico de um filme, em que culpa, horror e enveloça a atmosfera”. Elliptically capturar o impacto duradouro e incapacitante da violência e sequestros no povo do México, o filme “tenta encontrar um equilíbrio entre o drama elíptico da arte da arte e o narcocorrido de Gritty”, mas para a Jordan Mintzer de Thr, López Gallardo “forja sua própria maneira ousada, mas nos perde um pouco no processo. ” No entanto, Jonathan Holland of Screy diariamente é mais em sincronia com este filme “visualmente deslumbrante, pensativo e profundamente inquietante”, encontrando-o “assustador de todas as formas certas”.

melhor do festival

O novo filme do Writer-Director Peter Strickland (em tecido, o duque de Borgonha) é “um determinado triunfo”, de acordo com a Wendy IDE do Daily da tela, que acrescenta: “O mais engraçado de seus filmes até hoje, é totalmente realizado, imaculadamente criação adaptada que oculta uma sensação de queima lenta de travessura sob sua estranheza deliberada e originalmente diálogo deadpan “. Flux é definido em um instituto dedicado ao desempenho sólido culinário, onde membros de um coletivo (Fatma Mohamed, ASA Butterfield, Ariane Labed) se encontram envolvidos em assuntos artísticos e sexuais uns com os outros e o diretor do Instituto (Gwendoline Christie). O resultado é um filme com “Alcance intelectual, profundidade emocional e uma atenção quase acadêmica para influências e fontes”, escreve David Katz do estágio do filme. Em sua revisão para a lista de reprodução, Charles Bramesco acrescenta: “Este é o Grande Ato de Prestidigitação de Strickland; Ele coaxa algo como a poignância do peculiar, assim como ele evoca o visceral e incognoscível de mantimentos comuns. ”

Músico francês / DJ (sob o nome Mr. Oizo) e cineasta absurdo Quentin Dupieux (Mandibles, Deerskin, fique de olho) Mais uma vez assume a escrita, dirigindo, edição e funções de cinematografia para entregar uma comédia surreal sobre um casal, Alain e Marie, que compram uma casa com uma adega muito especial. Enquanto Marie fica obcecado por ir até a adega, Alain é mais circunspecto. Em sua revisão para a tela diariamente, Lee Marshall chama-se de uma adição “Menor, mas ainda divertida-em-peças ao seu oeuvre maluco”, enquanto a Jordan Mintzer é mais a bordo com essa “adição digna a uma canon que continua ficando mais estranha com cada filme, levando o diretor até agora no campo esquerdo que ele praticamente construiu outro ballpark agora. ” E o Peter Bradshaw do Guardião elogia a inventividade do filme: “Novas coisas acontecem e os desenvolvimentos ridículos se desdobram rapidamente em montagens alegremente absurdas”.

O quarto solo de Kamila Andini é estabelecido na Indonésia durante a turbulência política da década de 1960. Nana (Feliz Salma) se tornou a segunda esposa de um rico homem sundano, mas seu passado, particularmente a perda de seu pai e o desaparecimento de seu primeiro marido, continua a assombrá-la. Em sua revisão, a crítica Michael Nordine pede que os espectadores imaginem “O que” no clima para o amor “poderia ter sido como se tivesse tido apichatpong weerasethakul, dirigido para você em algum lugar nas proximidades” da adaptação de Andini do romance de Ahda Imran. O Rory O’Connor do Film Stage aplaude os “performances profundamente sentidos” do conjunto, que levou a Laura Basuki vencendo o urso de prata para melhor desempenho de apoio no festival. Mas o mais alto elogio vem do crítico Leslie Felperin, que escreve: “O resultado é um trabalho intoxicante que mantém o espectador em um abraço apertado e amoroso que não vai deixar ir”.

Intitulado após a cidade italiana, onde seu personagem de liderança, Richie Bravo (Michael Thomas), croons e, em seguida, leitos seus fãs, a primeira característica narrativa do cineasta austríaca Ulrich Seidel desde a trilogia paraíso de 2013 (amor, fé, esperança) é “não tão símbolo quanto a ele em seu pior, ou tão impiedoso, mas não tão ambicioso ou surpreendentemente perspicaz quanto o seu melhor, “De acordo com Leslie Felperin of Th. Mas o Peter Bradshaw acredita: “Há uma espécie de brilho nisso”. O primeiro filme em um díptico planejado que continuará com Sparta, estrelando o irmão de Richie Ewald, Rimini pertence a Thomas ‘Bravo, que dá ao filme seu “Vigor Comic Unificador e Pathos”, nos olhos da tela Daily’s Jonathan Romney. E em sua revisão para a variedade, Jessica Kiang encontra esse filme “desafiador, mas fascinante” para ser uma queimadura lenta “tremendo e precise que continua a enterrar novos túneis na mente.”

Como a antecipação cresce para loira, seu olhar de Marilyn Monroe, diretor Andrew Dominik, cuja última característica narrativa foi 2012, matando-os suavemente, prova mais uma vez para ser um documentário hábil quando seu assunto é Nick Cave. Uma peça de companhia para sua colaboração perfurantemente íntima de 2016, mais uma vez com sentimento, que encontrou caverna que continha com a perda de seu filho através de sua música (especificamente a árvore esquelética do álbum), tanto eu sei ser verdade é mais filme de concerto do que o seu predecessor, mas não menos pessoal graças ao relacionamento compartilhado por Dominik e Cave. Concentrando músicas de Ghosteen e Carnage, é “simplesmente executado, mas inegavelmente poderoso em sua elegância magra, despojada de volta,” de acordo com a Wendy IDE do Daily da tela, que encontra “feitiçaria está no trabalho” quando a caverna e a Warren Ellis estão se juntadas por Marianne fiel. Em seu comentário para a lista de reprodução, Rafaela Sales Ross escreve: “Sua proeza cinematográfica não é apenas um reflexo da experiência técnica do diretor e sua visão de capturar sua música alma e elegia, mas também um testemunho da profundidade da relação construída entre o assunto. e Framer “.

Other notável estréia (bom, mas inexcepcional)

O diretor do escritor Bertrand Bonello (Casa de prazer, Nocturama, Saint Laurent) continua a seguir sua própria musa idiossincrática com este projeto de pandemia dedicado à sua filha, jogado aqui pelo Luboque Louise do Zombi. Penteando uma ópera sabão tocada por bonecas, imagens de arquivamento, chamadas de zoom e um influenciador do YouTube inventado chamado Patricia Coma, este ensaio cinematográfico dividiu os críticos. Em sua revisão, Michael Nordine chama-se de uma “bagunça confusa”, e a crítica diária de tela Allan Hunter admite “Scattershot de Bonello, a abordagem da pia da cozinha pode ralar”, mas o último também encontra a “ampla combinação experimental de terapia estendida. sessão e ensaio de estado de nação “ser” muitas vezes intrigante “. Para a lista de reprodução, Rafaela Sales Ross descreve colorida colorida do filme: “Uma explosão pesadoura, coma, coma é uma luta cinematográfica de síndrome do intestino irritável, afligindo ainda inevitável, repugnantemente dolorosa até que finalmente encontre a alegria de alívio.”

Claire Denis ganhou o urso de prata para o melhor diretor para esta segunda colaboração, seguindo o sol em, com escritor Christine Angot e Star Juliette Binoche. Este último joga Sara, uma mulher pegou entre seu amante e estável parceiro Jean (Vincent Lindon) e seu melhor amigo e seu ex-amante, François (Gégoire Colin). THR’s David Rooney julgar “Um melodrama” inteligente, mal-humorado, soberbamente agido, “enquanto Peter Bradshaw do Guardião acha” intrigante se articulados e anticlimáticos, embora atuassem ao maior passo de convicção sensual. ” E para Tim Robey do telégrafo, tem uma qualidade “impetuosa, Visão – tente-it – que torna um prazer modesto”. Mais tomada com o filme é David Ehrlich, da Indiewire, que escreve: “Sua imaginação de forma livre inflamada pela imobilidade social da pandemia, Denis cria um pano de fundo contido de um filme tão voláteis e indesejado quanto um inferno”.

O mais recente do diretor francês-suíço Ursula Meier (casa, irmã) é um drama familiar sobre Margaret (Stéphanie Blanchoud, que também co-escreveu o roteiro), um jovem músico volátil que retorna para casa para viver com sua mãe Christina (Valeria Bruni Tedeschi ) Apenas para se encontrar proibido de ir a 100 metros dela depois que ela a greve durante um argumento furioso. Tela Daily’s Lee Marshall acredita que esta “história com uma estrutura conceitual brilhante” sente “no final como o tipo de drama familiar disfuncional que vimos tantas vezes antes:” Mas Peter Bradshaw da Guardião afirma que é uma “cativante, sem energia, mas drama inesperadamente simpático da disfunção da família “.

Este recurso direciona a estréia da escritora vencedora de Oscar Graham Moore (o jogo de imitação) marcam a Rylance como um alfaiate especialista cuja sobrevivência não depende de suas roupas finamente trabalhadas, mas sua capacidade de superar um grupo perigoso de mobsters. Co-escrito com Johnathan McClain, o “filme alegremente blefes e maldades, mas crucialmente nunca trapaceie”, escreve Robbie Collin of the Telegraph. Mas em sua revisão de Threwrap, Robert Abele discorda: “Com um ar de duplicidade telegrafado no início, e um punhado de cenas saindo como despejos de informação, em vez de trocas naturais, muitas da estante de mecânica de história para a credibilidade.” Escrevendo para o Indiewire, Siddhant Adlakha lados com Abele, mas gosta do filme mais geral, observando: “Quanto mais ele entra em seu tempo de corrida de 105 minutos, quanto mais perceptível suas costuras se tornam, distraindo de um tecido finamente texturizado.” Mas a tela Daily’s Nikki Baughan acredita que é uma “emoção assistir” um “mestre artesão” life Rylance neste filme “lindamente desenhado, cuidadosamente medido e habilmente cortado”. Um dos poucos filmes de Berlinale com uma data de lançamento confirmada, O Outfit cabeças aos teatros norte-americanos em 18 de março.

O seguimento do escritor-diretor Mikhaël Hers ‘para 2018’s Amanda Stars Charlotte Gainsbourg como élisabeth, uma mulher cujo casamento se dissolveu, deixando-a responsável pelo cuidado de seus dois filhos. Começando em 1981 e cobrindo muitos anos na vida de Élisabeth, o filme é, na visão do Wendy IDE do Daily Screen, “uma peça gentil de contar histórias que zeros em momentos aparentemente inconsequintes, mas íntimos nas vidas da família em seu coração.. ” Jude seco do Indiewire’s concorda, escrevendo “, como uma meditação cinematográfica, a minúcia da vida é tornada dolorosa linda sob a direção cuidadosa dela.” Em seu comentário para a lista de reprodução, Rafaela Sales Ross acrescenta, “Ode” à beleza dos momentos compartilhados é contemplativo, mas nunca é monótono, quieto, mas cheio de verve. “

O prolífico diretor-diretor-diretor François Ozon (amante duplo, pela graça de Deus, verão de 85) retornou a Berlim pela sexta vez com este reimaginamento de gênero de Rainer Werner Fassbinder é as lágrimas amargas de Petra von Kant. Em vez de um designer de moda, o personagem principal, jogado com grande compromisso de Denis Ménochet, é um diretor de cinema masculino que se torna obcecado com um lindo jovem jogado pelo recém-chegado Khalil Gharbia. O Peter Bradshaw encontra-se “muito mais genial, campy e cômico do que a provação magra de Fassbinder”, e na opinião de Tim Robey do telégrafo, a “vivacidade” do filme de Ozon “sacrifica o glacially prolongado, teatime-at-the -mausoleum Qualidade que fez o filme de Fassbinder tão hipnotizante. ” Mas a tela Daily’s Jonathan Romney é mais positiva: “Homenagem e crítica, Peter von Kant atrapalhando a pele do original com tema lésbica, ekes novas ressonâncias e comprova tanto a autenticamente fassbinderian e completamente ozonsque em suas sensibilidades irônicas.”

as decepções

O diretor italiano de 81 anos que deu ao mundo profundo vermelho, Suspiria e fenômenos direciona sua primeira característica desde o decepcionante Drácula 3D de 2012. Enquanto esta história de uma prostituta cega high-end tentando se defender contra um assassino serial é melhor do que o último passeio de Dario Argento, isso não empilha até seus clássicos. Para o Peter Bradshaw, Dark Glasses “tem seus momentos de macabro e invenção melodramática”, e em sua revisão para o estágio do filme, Rory O’Connor acha “muito divertido, por um tempo e não, não perto de seu melhor. ” Thr crítico Jordan mintzer admite que é “tanto um pouco ridículo quanto um tadaring, captando o diretor da Suspíria em sua mais suave”, e a Elena Lazic de Playlist pega assim também, concluindo: “Juntamente com a firme confiança de sua execução, talvez Essa sinceridade é que marca os óculos escuros como um trabalho tardio tocante de um mestre. “

O Writer-Director Alain Guiraudie’s International Breakout foi estranho de 2013 pelo lago, mas que o thriller caçador poderia provar ser o outlier em sua filmografia baseada na evidência de seu acompanhamento, ficar vertical, e esta nova história de Médéric, seu sexo casado Trabalhador esmagamento Isadora, e Séllim, um jovem que eles tomam depois que um ataque terrorista ocorre na véspera de Natal. Para o Thr’s Jordan Mintzer, é uma “uma mistura um pouco desconfortável de crítica social e drama sexual bizarra em que Guiraudie parece ser espiteballing idéias diferentes sem fazer todos eles ficarem,” e em sua revisão de Indiewire, Nicolas Barber adverte: “Parece como Se Guiraudie teve duas ideias separadas para uma comédia urbana contemporânea, mas não conseguiu descobrir como desenvolver qualquer um deles, então ele os enfiou em um roteiro e esperava pelo melhor. ” O Peter Bradshaw descreve hero como uma “brincadeira”, mas muito flavouless, “e para wendy ide of screen diariamente”, as inconsistências tonais são apenas um dos problemas com um filme que inadvertidamente perpetua os próprios estereótipos e suposições que tenta satirise “.

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O mais recente do Writer-Director Tim Sutton (Pavilhão, Night Night, Donnybrook) Estrelas Colson Baker (também conhecido como Machine Gun Kelly) como Cole, um rapper que se esforça para sobreviver no redemoinho tóxico da fama e do vício. Para a tela Daily’s Lee Marshall, Taurus “Parece uma montagem dos Clichés Rockstar,” e em sua revisão para o thr, Angie Han reclama que “sente a maior parte de seu tempo de corrida de 98 minutos como um meandro sem carga através de uma semana muito terrível.. ” Mas o filme tem seus admiradores, incluindo a Mark Hanson, que acredita que “Baker armazenou quaisquer noções esperadas de um projeto de vaidade insípida, tornando o interior de interioridade turbulenta do Cole, ainda mais alto do que seu estilo de desempenho frenético”. E Tim Robey do Telegraph admite essa “história, se isso pode até ser chamado, é uma forragem de fofoca com inimigos em vigor nos campos de comentários. Eu pensei que estava te odiando, até o momento em que começou a se sentir profundamente acreditável. “